sistema.ARTErial

2011-04-20T05:06:00.000-07:00

...Paco Pomet, Granada 1970...

2011-03-24T07:10:00.000-07:00

...Carla Klein...

2011-03-23T05:59:00.000-07:00

...Antonio Santin, Madrid 1978...

2011-02-01T05:47:00.000-08:00

...Jenny Saville, Cambrigde 1970...

2010-12-22T01:34:00.000-08:00

...Gabriel Dawe... México

2010-11-26T05:25:00.000-08:00

...Juan Francisco Casas, Jaén, 1976...

2010-11-11T04:17:00.000-08:00

Hong Chun Zhang

2010-10-28T02:16:00.000-07:00

...Robin F. Williams, 1984...

2010-10-10T13:16:00.001-07:00

...Zhang Haiying...

2010-08-28T06:33:00.000-07:00

Alyssa Monks

2010-06-15T04:03:00.000-07:00

" In medias res" COAC .Santa Cruz de Tenerife

2010-03-15T08:22:00.000-07:00

El pasado 26 de Febrero, se inauguró en la sala del Colegio Oficial de Arquitectos de Canarias, la exposición "In medias Res". Esta exposición es organizada por la Facultad de Bellas Artes de La Laguna, en ella participa un grupo de alumnos de 1º y 2º ciclo correspondiente al curso académico 2008/09.

Esta edición se nutre de una amplia variedad de propuestas resueltas en distintos soportes. Los integrantes son: María Aguilar, Natalia Alfageme, Damián Báez, Josué Borges, Cristina Gomez,Mónica Sardiña, Adassa Santana, Miguel Pombrol, Francisco Marrero, Nayra Pérez, Sergio Real, Carlos Navarro y Cristóbal Tabares.

"In medias res", estará abierta hasta el 21 de marzo, de 11:00 a 13:00 y de 18:00 a 20:30 horas. de lunes a viernes.

Ricardo Fumanal, Huesca 1984

2009-11-11T15:09:00.000-08:00

Martin Y Sicilia, Tenerife

2009-11-09T11:13:00.000-08:00

Santa Cruz de Tenerife, 1974 & 1971Licenciados en Bellas Artes, Universidad de La Laguna, Tenerife, 1998.Viven y trabajan en Madrid, Berlín y Tenerife

fuente: http://www.martinysicilia.com/

Tim Gardner, Canadá 1973

2009-06-11T10:34:00.001-07:00

Herbert Baglione, Brasil 1977

2009-06-10T05:26:00.000-07:00

Desde que en 1998 proyectara su primera exposición individual en Sao Paulo, Herbert Baglione ha descrito una parábola que le ha llevado de las calles de su ciudad hasta sus cuadros expuestos en algunas de las galerías internacionales más importantes del mundo. Surgido del graffiti y el street art, prefiere vincularse actualmente a otros géneros artísticos evitando cualquier tipo de clasificación y decantándose progresivamente hacia propuestas mas indoor. El suyo es un trabajo sumamente elegante y llamativo que destaca entre el candente panorama artístico contemporáneo originado por las nuevas tendencias urbanas.

Françoise Nielly, Francia...

2009-06-06T17:39:00.000-07:00

Françoise Nielly vive en un mundo de imágenes, y ha explorado los diferentes aspectos de la imagen a lo largo de su vida a través de la pintura, la fotografía, los bocetos, ilustraciones, y las generadas virtualmente por ordenador. Actualmente, está claro que la pintura es su única dirección artística, y su gran pasión. Vive y pinta en París, cerca de Montmartre, y muestra y vende su trabajo en Europa, Canadá y Estados Unidos.
Creció en el sur de Francia, donde vivió entre Cannes y Saint-Tropez, y en su obra, nunca se aleja de la luz, el sentido del color y la atmósfera que impregna el sur de Francia, donde estudió Bellas Artes. Amante de la vida, los espacios abiertos, el sushi, Internet, los libros, París y Nueva York, los cuadros de Françoise Nielly muestran una impactante fuerza bruta y una fascinante energía vital. Su técnica, lienzos al óleo, esculpidos magistralmente con espátula, son un estallido de colores deslumbrantes perfectamente combinados, cuyo resultado son unas sorprendentes imágenes de retratos cargadas de una exuberante y mordaz sensualidad, y de una desbordante y explosiva sexualidad en sus pinturas del cuerpo humano.
Inscrita con firmeza en su época, es sin duda una consumada artista, cuyos 20 años de expresión artística, demuestran la madurez de su arte, y el perfecto dominio de su técnica.

Thomas Demand, Alemania 1964

2009-06-02T06:12:00.001-07:00

Desde comienzos de los ‘90, Thomas Demand ha seguido el mismo procedimiento: primero elige una imagen fotográfica publicada en un diario o revista, luego construye un modelo de esa imagen a escala real en papel y cartón, lo ilumina, con esa luz helada de ascensor que absorbe humanidad, y lo fotografía. Acto seguido, destruye la maqueta. De la foto original queda apenas una reverberación. Si antes había una mesa de oficina llena de cosas, ahora tenemos esa misma mesa pero pelada, y no es que los objetos hayan desaparecido, sino que siguen ahí pero desnudos: lo que era detalle superfluo ha sido eliminado, queda algo como un bosquejo del original pero sin las particularidades. Sólo vemos el contenido neto de la imagen: los papeles son rectángulos blancos en blanco; una cajita sin marca; la máquina de escribir tiene la forma habitual pero las teclas son todas negras; la cinta adhesiva es un rollito sin logo. Todo en unos colores que recuerda a laboratorios de tecnología vieja, un beige verdoso, entre un té con leche y un cuadro cubista.

Paula Rego, Lisboa 1935

2009-05-23T11:59:00.000-07:00

Jenny Holzer, Estados Unidos, 1950

2009-05-20T03:30:00.000-07:00

Andreas Gursky, Alemania 1955

2009-05-15T08:13:00.001-07:00

Miguel López Coronado (Madrid, 1972)

2009-05-14T03:57:00.000-07:00

Adassa Santana Castro (Las Palmas de Gran Canaria, 1984)

2009-04-13T11:31:00.000-07:00

Kehinde Wiley ( 1977, Los Ángeles, California)

2009-04-03T08:17:00.001-07:00

Kehinde Wiley (nacido en Los Ángeles, California en 1977) es un pintor con sede en Nueva York que es conocido por sus pinturas de chicos afro-americanos de estética urbana en poses que hacen referencia a la historia del arte. Su estilo de pintura ha sido comparado al de tradicionales retratistas como Reynolds, Gainsborough, Ingres y Tiziano. The Columbus Museum of Art, que acogió una exposición de su obra en 2007, describe su trabajo con el texto siguiente: " Kehinde Wiley ha ganado elogios por su recientes retratos heroicos que aluden a la imagen y al estatus de los jóvenes afro-americanos en la cultura contemporánea”.

Lord Frederick Leighton (1830, Gran Bretaña)

2009-04-01T07:31:00.000-07:00

Lord Frederick Leighton, (1830-1896) Hijo de un médico, su familia pasaba largas temporadas en el continente, estudiando en Berlín y Florencia. Los Leighton se establecieron en Frankfurt durante el año 1846 y Frederick entró en el taller de Edward von Steinle, realizando sus primeras obras importantes. Se trasladó a París en 1855, viviendo tres años en la capital francesa para establecerse después en Londres. Se sintió rechazado en un primer momento por las instancias artísticas oficiales pero tampoco se integró en la hermandad de los Prerrafaelistas.Se interesó especialmente por los asuntos clásicos, históricos y mitológicos. En 1868 fue elegido académico de número y diez años después presidió la Royal Academy, ejerciendo una gran influencia en el ambiente artístico oficial. Sus esculturas manifiestan más su gusto por el eclecticismo.

ARCO´09 (by RO.RO)

2009-03-03T08:44:00.000-08:00

Rocio Camarero ( Burgos, 1984)

2009-03-03T08:37:00.001-08:00

Marcos López ( Argentina 1958)

2009-02-10T05:44:00.000-08:00

Es difícil decir porqué uno aborda determinados temas. Es como preguntarse porqué me gusta retratar a las camareras de los hoteles donde me hospedo. pero bueno, en principio me interesa el tema de La Patria. Tomar esta serie como una crónica subjetiva de este fin de siglo Menemista. También quiero que se note en la imagen que soy un artista que mira desde el sur y desde el subdesarrollo.

En fin, La eterna búsqueda de la identidad en un país que se formó con gente que bajó de los barcos. El tango que llevamos dentro. Reflejar el doble discurso de la modernidad. Todo esto trato de que se vea en mis fotos. Además, ahora saco fotos para entretenerme y exorsizar el dolor que tengo por que mi chica se fué de casa.

Marcos López
domingo 25 de agosto de 1996.

Davinia Jimenez Gopar ( Montaña Ladata, 1982)

2009-01-28T06:55:00.000-08:00

La serie "eterno retorno"

Se intentan recrear imagenes de una vida, momentos que quedan capturados como fotografias en la memoria. Se indaga sobre los origenes. Las respuestas acerca de la propia existencia.Se alternan imágenes de lo cotidiano, estableciendo relaciones de fuerzas entre los diferentes escenarios.

Imagenes en blanco y negro, tienden a difuminarse y a centrar su interés en lo esencial. Una mirada hacia el pasado desde la perspectiva actual.

"Suplicio, castigo, disciplina y prisión"

Se trabaja sobre estos cuatro términos, basada pricipalmente en el libro "Vigilar y Castigar", de Michel Foucalt.

Mas informacion: http://daviniajg.blogspot.com/

Richards Phillips, (Estados unidos, 1962)

2009-01-21T14:30:00.000-08:00

Richard Phillips es un artista nacido en 1962 en Marblehead (Massachusets) que vive y trabaja en New York. Es conocido por sus brillantes retratos hiperrealistas copiados principalmente de las revistas eróticas y de moda de las décadas de los ‘60 y los ‘70. En la mayoría de sus obras de los años ‘90, Phillips se centra en el optimismo de la industria del porno blando de la época de los ‘70, antes de la aparición del sida. En sus retratos emplea expresiones faciales estándar y estereotipos habituales en el contexto pornográfico: chicas pin-up con labios húmedos entreabiertos, cabellos revueltos, lenguas mojadas…(como muestra se puede observar sus obras Tongue de 1997 y Jazz de 2000). La obra de 2004 denominada Bukkake recoge con su título en japonés prácticas sexuales presentes en inequívocas páginas web y supone una evolución al mostrar el primer plano de una mujer arrodillada sobre cuyos cabellos revueltos se ha eyaculado. En la pintura Herzaureisser de 2005 una femme fatale blande un corazón en dirección del espectador, mientras que la tersura visual de Girl with Cigarette (2008) oculta una notable carga de reflexión.

Sin embargo, las proporciones tan enormes de sus cuadros del tamaño de vallas publicitarias resultan irritantes ya que ofrecen una visión amenazadora de la sexualidad exagerada, prácticamente omnipresente en el marketing del mundo occidental que ofrece el placer inmediato como mecanismo para captar la atención del espectador. Es decir, sus inmensas obras no sólo se apropian de la estética pornográfica, sino que al mismo tiempo la tematizan. De este modo es como Phillips opina que sobrevivirá la pintura frente a los que opinan que nada queda por inventar sobre el lienzo: con malicia y autocrítica.

COAC

2009-01-20T13:24:00.001-08:00

La exposición permanecerá hasta el 13 de febrero de 2009, de 11:00 h. a 13:00 h. y de 18:00 h. a 21:00 h.

Laura Benavente

Rayco Rodriguez

Damian Rodriguez

David Delgado

Esther Garcia

Idaira del Castillo Estevez

Macame Trapaga

Aristides Santana

Noelia Villena

Adassa Santana

David Ferrer

Esther Garcia y Laura Benavente

RO.RO.

Rita Marrero

RO.RO, (La Orotava, 1981)

2009-01-18T14:02:00.000-08:00

Roberto Rguez, o Ro.Ro, como reza su nombre artístico, nació en La Orotava en 1981. Este joven artista, Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, lleva varios años trabajando en un proyecto denominado “The Private Zone”. En él se aúnan la pintura, el graffiti, el mural, la escultura y el diseño.
Ro.Ro ha conseguido convertirse en un personaje clave dentro de su obra: sus ‘pintas’, como comenta la gente que no le conoce, hace referencia a su personalidad moderna y a las ansias de romper barreras con lo cotidiano.
El trabajo duro en el pasado le ha llevado a ser reconocido hoy en día, donde ya puede decirse que vive de esta profesión. Sus comienzos fueron en las distintas competiciones de pintura a nivel regional (casi siempre vencedor, primer o segundo premio) hasta exposiciones colectivas (Liceo Taoro, Sala Caixa-La Laguna, Sala Caja Canarias, Sala Caja 7, COAC, etc.) o en solitario (Festival MUECA tres años consecutivos, OCA Fest., Galería Fleming 4, Casino Sta. Cruz de Tenerife).

El arte urbano, “lo grunge”, lo “nerd”…están siempre presentes en su obra. Su temática…lo más cercano, lo que lo envuelve diariamente.
Cada obra que surge de las manos de Ro.Ro hace referencia a un pequeño submundo de personajes, situaciones y elementos irrelevantes que se hayan expuestos frente a frente al espectador. Ro.Ro recrea un mundo de miradas ácidas que se implantan en nuestro subconsciente. El lienzo se convierte en soporte de sensaciones controvertidas en donde el artista plasma al ser humano como instrumento de lo absurdo, individual y no colectivo. Un pequeño submundo en el que lo importante es desconcertar.
Con sus últimas obras, Ro.Ro nos traslada a un mundo de desenganche y éxtasis, donde cada personaje adquiere un rol que le ha sido impuesto por la sociedad de consumo que nos rodea. El personaje se muestra frente al espectador dejándose observar por miradas anónimas. Es entonces cuando nuestros deseos más ocultos surgen y nos debilitamos ante situaciones absurdas de las que solo podemos salir con la ayuda de elementos externos que nos hacen vibrar y crecer en un mundo que cada día se parece más a algo que nunca ha existido.

Ahora mismo, vive y trabaja en Berlín, ciudad en la que ha sido becado, y donde Ro.Ro está creando un diario de vida con imágenes llenas de realismo absurdo e incontinencia verbal que a nadie dejará insatisfecho.

Planeta Pingüino

"TeoricaMetadona", Sala Fleming4

Trabajos realizados para el festival Mueca

...más en http://www.theprivatezone.es/

Shirin Neshat, (Irán, 1957)

2009-01-16T11:28:00.000-08:00

"Hago arte para encontrar respuestas" manifiesta habitualmente esta iraní residente en Estados Unidos. Es una de las más destacadas artistas contemporáneas de la última década. Vivir entre dos mundos completamente diferentes, fuera de su tierra natal, le ha permitido a esta creadora abordar, desde una visión bicultural el drama de las mujeres musulmanas, en especial las de Irán.Neshat centra su obra en los roles de género, y lo hace por medio de variados códigos y símbolos que, sin lugar a duda, enriquecen la interpretación de cada una de sus fotografías y video instalaciones. El impacto que causó en ella el retorno a su país, en 1990, luego de 12 años de ausencia, la «sensación aterradora y al mismo tiempo excitante» que experimentó, marcó el inicio de una carrera exitosa y polémica, orientada hacia esa nación.

Fragmento de "Zarin" de Shirin Neshat. Expuesto en la Gladstone Gallery Octubre/Noviembre, 2005

Marlene Dumas (Sudafrica, 1953)

2009-01-14T06:52:00.000-08:00

Nació el 3 de agosto de 1953, en Kuilsriver, Sudáfrica. En 1976 se traslada a Holanda donde cursa estudios de Pintura y Psicología.
Ha participado en multitud de exposiciones colectivas nacionales e internacionales y ha realizado exposiciones en solitario en Utrech (Holanda), Amsterdam, Alemania, Berna (Suiza), Filadelfia (EUU), Bonn (Alemania), Londres, Chicago, Toronto, Nueva York, Dublin (Irlanda), Basilea (Suiza), Berlín, Tokio, Hamburgo, Bélgica, Oslo (Noruega), ... Actualmente vive y trabaja en Amsterdam, Holanda.

Ron Mueck (Australia 1958)

2009-01-13T08:27:00.000-08:00

En sus inicios trabajó para el cine y la publicidad, su primera incursión en el arte vino a través de una colaboración con la artista portuguesa Paula Rego. Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden. Su obra de cinco metros “Boy”, fue mostrada en 1999 en el “Millenium Dome” y más tarde se exhibió en la “Biennale de Venecia”. Formó parte de la polémica exposición "Sensation". Presentando la obra "Dead Dad"*1.

En esta entrada, traducida del inglés de una entrevista realizada por Sarah Tanguy, Ron Mueck nos habla de la génesis y realización de su conocida obra Big Man.
Durante la entrevista, Mueck nos habla de su desafío al utilizar en esta época las técnicas tradiciones de diseño y construcción, en contraposición al diseño por ordenador. Lo cual resulta curioso, porque ha sido precisamente internet –la tecnología- quien primero se ha ocupado de mostrar la obra del escultor.

Veamos cómo modela sus esculturas Ron Mueck.

Sarah Tanguy: ¿Cómo y cuándo surgió la idea de jugar con las escalas en tus figuras?

Ron Mueck: Nunca hice figuras de tamaño natural porque nunca me ha parecido interesante. Todos los días vemos gente a tamaño natural.

ST: ¿Alteras la escala para provocar un impacto emocional y psicológico?

RM: Más bien, hago las cosas para que no parezcan tan normales.

ST: Con Big Man, ¿sabías de antemano que ibas a trabajar en una escala gigantesca?

RM: Él no comenzó siendo grande, sino surgió de otra pieza que yo había esculpido, una pequeña figura de un hombre envuelto en mantas, para la que no utilicé ninguna referencia, ni tampoco ningún modelo, sino que salió totalmente de mi imaginación.

En esa época yo trabajaba como artista residente en la National Gallery y ellos tenían una clase de dibujo. Yo trabajé allí y di mis primeras clases, y lo disfruté mucho.
Cuando volví a mi estudio y vi la pequeña figura del hombre envuelto en mantas, pensé, “¿Cómo sería si hiciera lo mismo, pero trabajando con la vida, dándole un aspecto más real?”.
Yo nunca trabajo con modelos vivos. Yo utilizo fotografías o referencias que veo en los libros, tomo mis propias fotografías o miro en mi interior.

Sin embargo, yo intenté encontrar un modelo real, parecido a aquel pequeño individuo envuelto en mantas. Localicé a uno que era físicamente similar, y trabajé en mi estudio con él durante tres horas, hasta que me di cuenta que él no me iba a ayudar a salir adelante con mi proyecto.

Sus miembros no eran lo bastante flexibles. Su vientre tenía su propia forma. Aquel hombre no podía adoptar la postura de mi pequeña escultura. Por otro lado, yo tampoco me sentía bien teniendo un modelo en mi estudio. Me di cuenta de que me intimidaba tener allí a alguien con el que tenía que relacionarme.

Tenía allí a un hombre desnudo y completamente afeitado. Él no tenía ni medio pelo en el cuerpo. Todo eso me impedía estar a gusto. Pensé, “bien, ¿qué hago yo aquí con un hombre desnudo?”.

Así que le pedí que se sentara en una esquina mientras yo pensaba todo esto. Él entonces me sugirió algunas poses y tomó alguna de esas posturas ridículas que suelen realizar los modelos. Eran falsas y artificiales, y me di cuenta de que todo aquello no me servía para nada.

Yo trataba de reunir todo mi valor para decirle que se marchara. Lo miré, allí sentado en la esquina, tratando de decidirme. Él no estaba tan enfadado como lo parece estar Big Man, pero tenía esa misma posición. Y pensé en ese momento, “¡Qué buena idea!”, y así nació la pose de Big Man.

Primero hice un boceto en arcilla de él en esa posición, aproximadamente de un pie de alto. En ese momento pensaba que ese podría ser el tamaño final de la escultura.

Tomé algunas fotografías de lo que hacía, como hago a menudo, porque considero que si fotografío mi trabajo, puedo verlo de una manera diferente. Es como cuando te miras en un espejo, y te das cuenta de todas las imperfecciones y asimetrías, que no puedes ver de otra manera, porque las has mirado durante demasiado tiempo.

Luego, mientras miraba esas fotografías, y en una de ellas, dibujé una pequeña figura que parecía mirar el boceto de arcilla. Así, que a ojo de buen cubero, me di cuenta que la relación a escala entre el boceto de arcilla y la figura dibujada podía ser como de ocho pies. Con el dibujito al lado, a él se le veía muy grande. Y pensé, “bien, puedo intentar hacerlo a ese tamaño”.

Una vez decidida la escala, tomé mas fotografías. Tomé una de perfil, de la que saqué, dibujándolas, las líneas del contorno y todo eso lo llevé a papel. Después dibujé todo en papel marrón a tamaño de siete u ocho pies. Y una vez lo terminé, decidí que lo haría así.

A partir de ese enorme boceto monté la armadura con alambre y lo cubrí todo con yeso.

ST: ¿Es el yeso el que le da esa tonalidad amarillenta?

RM: Yo utilizo un yeso dental más duro que ‘el yeso de París’, que tiene esa pigmentación amarilla, aunque luego lo pinto todo.

(Fuente: http://www.titerenet.com/)